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Pabeigt mēbeļu piedāvājums frizieriem un skaistumkopšanas saloniem

Oggi, l'innovazione nel mondo dei tessuti è arrivata a livelli davvero importanti. Ci sono costumi da bagno con UV o allarmi integrati, capi ad asciugatura rapida o completamente waterproof, e costumi equipaggiati con congegni in grado di monitorare l’attività fisica in acqua. È, quindi, davvero sorprendente notare che, nonostante tutto, l'attenzione verso il passato non diminuisca ma continui a essere costante, stagione dopo stagione. E così, anche per l'estate 2020 nelle collezioni c'è una grande varietà di costumi in stile vintage. Parliamo di costumi a vita alta, la cui ispirazione arriva direttamente dai favolosi Fifties. 

Nella nostra gallery troverete i modelli più cool della stagione e una serie di scatti che vedono Marilyn Monroe sfoggiare diversi bikini, tra gli Anni 40 e 50. Bianchi, a righe, a pois, con ruches e drappeggiati. Ma prima scopriamo quali sono i trend vintage per l'estate 2020 analizzando le passerelle.

Pink e floreale lo slip a vita alta firmato Blumarine, in coordinato con gli occhiali da sole cat-eye.

Se il modello a vita alta ricorda gli Anni 50, la lavorazione crochet di Dior ci riporta invece nei Seventies, così come la stampa del modello Fendi.

Questo modello Dolce & Gabbana ci fa viaggiare con la mente. La maison punta sul mix and match in un vortice di colori accesi.

Il mondo dello sport non può mancare quando si parla di costumi, anche se di ispirazione vintage. Punta sul suo celebre logo il modello Fila.

Se vi piace lo stile vintage cliccate qui per scoprire gli outfit di Audrey Hepburn must-have per l'estate.

I brand di maglieria su Instagram 

Mentre su Instagram impazzano le foto di chi prende il sole nel cortile di casa, sui nostri feed notiamo anche tutta una serie di capi knitwear dallo styling impeccabile. I mini cardigan (spesso lasciati sbottonati) che Kaia Gerber, Bella Hadid e Dua Lipa sfoggiano di continuo sono un vero must dell’estate 2020, indossati su un miniabito da tennis o sul costume da bagno, oppure abbinati ai ciclisti dell’anno scorso. 

Ma l’ossessione dei social per la maglieria non finisce qui: questa stagione si assiste anche al ritorno del tank top (in vulgaris la canotta del nonno), dei pantaloncini di maglia e dei mini bustier tricot, sempre sulla scia del trend “fatto a mano”. 

Ecco le sei griffe di knitwear da conoscere e indossare quest’estate.

1. La griffe: Pretties

Fan celebri: Tutte le vostre icone anni Novanta preferite (Winona Ryder, Jennifer Aniston, Drew Barrymore, Sofia Coppola) e la giovane star di Hollywood Rowan Blanchard 

Cosa comprare: I pantaloncini tricot e il ‘cardi p’

Cosa sapere: seguite @90sanxiety e prendete appunti. Nei primi anni Novanta, la stylist per il cinema e per i video musicali Linda Meltzer andava a caccia di magliette per bambini in stile francese nei negozi di seconda mano, prima di avere un’idea geniale: crearle lei, le magliette, e lanciare una griffe (che all’inizio si chiamava Tease Tee’s). Un’idea che ebbe molto successo. Le sue creazioni non solo fecero bella mostra di sé due volte nel film Clueless-Ragazze a Beverly Hills, ma le magliette baby di Meltzer erano fra le preferite di Rachel Green nelle prime stagioni di Friends. Nel 2020, sono i pantaloncini tricot il capo must (perché in questi tempi di video chat, per il “sotto” non possiamo mettere sempre e solo i pantaloni della tuta…)

2. La griffe: House of Sunny

Fan celebri: Bella Hadid e il fashion set danese (fra cui Emili Sindlev e Anna Sarlvit)

Cosa comprare: il Day Tripper Cardi 

Cosa sapere: Il sole continua a splendere sul cardigan della griffe, inizialmente ispirato dai tramonti di Ibiza, ma l’appeal del capo più venduto di House of Sunny non finisce qui. Lo styling scelto dalla griffe per l’estate 2020, quello della “vacanza a casa” (un’idea della fondatrice Sunny Williams) è molto attuale, così come le credenziali sostenibili del marchio. Fra i must, il Day Tripper Cardi di ispirazione retrò è un vero toccasana per l’umore, ma sbrigatevi, pare che adesso sia di nuovo disponibile. 

3. La griffe: Rua Carlota

Fan celebri: le style star di IG Destiny Joseph ed Emma Breschi 

Cosa comprare: Tutto! (ogni capo è unico)

Cosa sapere: Quando Charlotte Rose Kirkham, che ha fondato Rua Carlota in UK, lancia un nuovo capo su Instagram, dice sempre quando esattamente sarà disponibile per l’acquisto, e il risultato è che i fan più devoti della griffe fanno a gara per arrivare in tempo sul sito (alcuni capi sono andati sold out in tre minuti e mezzo). Le canotte e i top tricot della griffe dallo stile avant-garde sono tutte upcycled, realizzate con scorte di magazzino. E questo vuol dire non solo che ogni capo è un pezzo unico, ma anche che acquistando le sue creazioni aiuterete Kirkham nella sua battaglia contro gli sprechi. 

4. La griffe: Nith Studio

Fan celebri: le style star di IG Maria Bernad e Marie Jedig

Cosa comprare: la canotta Marie

Cosa sapere: Nith Studio, la griffe di capi fatti a mano a Copenhagen creata da Thelma Steimann e Nico Golden rivisita con un approccio sostenibile i tank topo, le canottiere bianche un po' retrò con quella vestibilità morbida che va tanto di moda in questo momento. Un vero must è la canotta Marie dall’inequivocabile fascino ‘fatto-a mano’, da indossare con tutto, dai boxer in cotone ai pantaloni del pigiama a quadretti.

5. La griffe: Paloma Wool

Fan celebri: Kaia Gerber, l’art director spagnola Carlota Guerrero e l’artista Riya Hamid di base a Berlino

Cosa comprare: Il bustier con coulisse Agua

Cosa sapere: Prima di iniziare a spiegarvi quanto ci piacciono i bustier tricot, morbidi e comodi, invece dei reggiseno rigidi con il ferretto, dovremmo prima fermarci un momento a celebrare Katie Holmes e l’ormai iconico twinset in cashmere “Khaite” con cui è stata fotografata da tutti lo scorso autunno. La rivisitazione anni 70 della lingerie indossata “fuori” - ma in tricot - di Paloma Wool va in quella stessa direzione, ovvero far sentire bellissime tutte le donne che indossano le sue creazioni.

6. La griffe: Hope Macaulay

Fan celebri: Halsey

Cosa comprare: il Wonderland Chunky Knit Cardigan

Cosa sapere: I cardigan “giganti” dai colori arcobaleno che Hope Macaulay realizza a mano nell’Islanda del nord (utilizzando esclusivamente lana merino jumbo) sono un omaggio agli hippy di Laurel Canyon dei primi anni 70. Se cercate un’alternativa morbida e comoda alla felpa, quella che amate indossare quando fate “binge watching” su Netflix, o un copricostume per quando prendete il sole nel cortile o sul terrazzo di casa, da indossare e amare per sempre, i capi super creativi su ordinazione di Macaulay sono quello che fa per voi.

La moda ha da sempre rappresentato un porto sicuro per molte donne, che dall'abbigliamento hanno tratto forza e autostima. Strumento di espressione per antonomasia, un abito può aiutare a vedersi, e sentirsi, sempre meglio, anche in situazioni dove ogni altra soluzione si rivela fallimentare. In particolare, una tipologia di indumento è diventata famosa grazie alle celebrities: il revenge dress. Reso iconico da Lady Diana, il ‘vestito della vendetta’ rappresenta l'abito, splendido e mozzafiato, che molte star hanno sfoggiato dopo una delusione d'amore, mostrandosi in tutta la loro bellezza, apparendo quantomai radiose e sicure di sé.

Se la sua fama si deve al tubino nero di Christina Stambolian indossato dalla Principessa del Galles nel 1994 dopo aver scoperto l'infedeltà del Principe Carlo, molti sono seguiti al celebre abito, suggellando alcuni dei divorzi e delle separazioni più famosi del jet set: dal vestito color albicocca firmato Michael Kors Collection che Jennifer Lopez ha scelto dopo la separazione da Ben Affleck, allo splendido look Chanel di Jennifer Aniston dopo il divorzio da Brad Pitt, ecco i revenge dress più belli di sempre.  

In poco più di 15 minuti, la sfilata di moda è in grado di dar vita alla visione del futuro di uno stilista lasciando un marchio indelebile nella cultura. Lungi dall’essere statico, il concetto di fashion show evolve proprio come fa la moda. Dagli inizi (con presentazioni su manichini ad uso della clientela) all’introduzione delle cosiddette fashion parade con modelle in carne e ossa: la sfilata, così come la conosciamo oggi, nasce nelle sale da ballo indorate della Parigi anni ’10 e, forgiata dalla libertà creativa dei suoi primi pionieri, quali Charles Worth, Paul Poiret e Yves Saint-Laurent, è possibile tracciarne l’evoluzione fino ai nomi contemporanei più prestigiosi. Dopotutto, senza i precursori di allora, non ci sarebbero Miuccia Prada, Rei Kawakubo e nemmeno John Galliano.

Di seguito, prendiamo in rassegna i grandi antesignani della moda che hanno posto le fondamenta del moderno runway show e dell’intero fashion system per come lo conosciamo oggi.

Charles Worth

Alla fine del XIX secolo, il couturier anglo-francese Charles Frederick Worth divenne noto per aver reso più portabile l’Haute Couture. Abbandonando l’ampia crinolina a favore di una silhouette dritta, nota anche come Princess, e indossata dall’Imperatrice Eugénie, moglie di Napoleone III, Worth aveva semplificato la vita alle donne, permettendo loro di passare attraverso le porte, sedersi e muoversi più liberamente.

Di norma, i couturier erano soliti far visita alle loro clienti a casa per prendere le misure e provare i capi ma Worth le ospitava presso il suo atelier, dando così il via alla tradizione del salotto – il salon – assieme al relativo contesto sociale che divenne parte del successo del suo marchio. La maestria del couturier si manifestava in maniera più tangibile nel corpino composto da 17 elementi al fine di garantire il fit perfetto. Comunemente definito il padre dell’Haute Couture, Worth fu anche il primo stilista a dire addio ai manichini, scegliendo invece indossatrici in carne e ossa, tra cui la moglie Marie Augustine Vernet, per presentare le sue collezioni.

Paul Poiret

Nel 1900, uno dei padre fondatori dell’Haute Couture, Paul Poiret, cambiava il corso della storia della moda con le sue rivoluzionarie silhouette prive di corsetto e le sue prime sperimentazioni col fashion show. Al pari di stilisti contemporanei come Alessandro Michele e Marc Jacobs, che hanno utilizzato giostre a cavalli, tapis roulant e coreografie sperimentali come set per le loro sfilate, anche Poiret amava l’idea di mostrare le sue creazioni in movimento.

Il concetto più all’avanguardia di Poiret? Organizzare balli per l’alta società parigina, tra cui il sontuoso La mille et deuxième nuit, in cui Mme Poiret indossò una gabbia dorata. Il circolo di glitterati frequentato da Poiret ha dato vita anche ad un’altra pietra miliare del fashion. Nel 1911, il fotografo Edward Steichen immortalava i capi di Poiret per il numero di aprile di Art & Décoration in quello che è considerato essere uno dei primi servizi di moda.

Coco Chanel

La storia ricorda la rivoluzionaria Gabrielle Bonheur ‘Coco’ Chanel come colei che ha liberato le donne dai corsetti restrittivi a partire dagli anni ’20, sostituendoli con silhouette di ispirazione sportiva in jersey leggero, un materiale associato, a quel tempo, alla biancheria maschile. Il guardaroba Chanel era incentrato su uno stile nonchalant e funzionale e i capi come il tipico Breton top a righe e i pantaloni da yatch facevano da apripista ad una versatilità senza precedenti nella moda femminile, che resero i salon show di 31 Rue Cambon a Parigi una vera rivelazione. All’insaputa del pubblico in sala, Chanel era solita guardare di nascosto le reazioni degli ospiti riflesse nello specchio ricurvo della famosa scalinata che conduceva al suo appartamento.

Elsa Schiaparelli

L’amore per il surrealismo di Elsa Schiaparelli, che contava tra gli amici più cari artisti come Francis Picabia, Marcel Duchamp e Man Ray, la vide allargare i confini di cosa può dire un abito.

Figura centrale della scena della moda parigina tra la prima e la seconda guerra mondiale, Schiaparelli abbinava l’irriverenza e l’intellettualismo del movimento surrealista alla moda, dando ai suoi capi un’originalissima vena ironica. Anche in fatto di collaborazioni era in anticipo sui tempi. Tra il 1937 e 1940, la stilista di origine romana si unì a Salvador Dalí per creare un portacipria a forma di rotella di telefono e un ‘cappello-scarpa’ che avrebbe deliziato il suo colto FROW, che comprendeva tra gli altri il poeta francese Jean Cocteau.

Schiaparelli si assicurò anche una delle primissime versioni dell’endorsement hollywoodiano vestendo star come Marlene Dietrich e Mae West, che indossò i suoi capi nella commedia musicale del 1937, intitolata Every Day’s a Holiday. Il suo universo non era fatto però di sola adorazione e fan. Gli stretti legami col mondo dell’arte le garantivano un’influenza culturale che andava oltre la moda, il che le valse il noto commento da parte della rivale Coco Chanel, che si riferiva a Schiaparelli come “quell’artista italiana che fa vestiti”.

Madeleine Vionnet

Nota come la maestra del taglio di sbieco (una tecnica che consisteva nel tagliare un tessuto in diagonale rispetto alla direzione del filo di trama), la couturier francese Madeleine Vionnet approcciò gli anni ’20 con una nuova visione all’insegna del movimento (ispirandosi, in particolar modo, al rituale di danza a piedi nudi della ballerina Isadora Duncan) e delle sculture dell’Antica Grecia.

Al posto dei corsetti e dei cuscinetti, Vionnet fece entrare in scena capi dalle linee sinuose che accarezzavano il corpo, affascinando tutta una serie di clienti di spicco come Katharine Hepburn, Joan Crawford e Greta Garbo. L’ammirazione dell’élite di Hollywood ne determinò il successo oltreoceano. La sua prima presentazione di moda si tenne all’interno dei grandi magazzini americani Charles & Ray Ladies’ Tailors di New York City, influenzando gli show che avrebbe organizzato in seguito presso il suo salon parigino al numero 50 di Avenue Montaigne.

Christian Dior

Secondo gli standard di oggi, lo stilista più iconico del dopo-guerra verrebbe definito come ‘un bocciolo tardivo’. Dior lanciava infatti il marchio omonimo nel 1947, all’età di 42 anni. Ma il suo tempismo fu azzeccatissimo. Appena due anni dopo la fine della seconda guerra mondiale, il suo marchio di fabbrica, il ‘New Look’, composto da gonne a ruota voluminose e la giacca Bar dalle linee strutturate, segnava la fine dell’austero guardaroba da tempi di guerra.

Corolle, la collezione di debutto dello stilista, prendeva il nome dalle gonne con silhouette a corolla, che enfatizzavano – per l’appunto – la rinascita del lusso. L’ulteriore inventiva di Monsieur Dior risiedeva nella sua showmanship: alla sua sfilata del 1947, invitò infatti un gruppo di fotografi, a cui, in passato, era vietato partecipare alle presentazioni private in salotto. Grazie al talento per attirare fan al di fuori dei circoli più stretti della sua clientela parigina, Dior portò le sue collezioni in tour presentandole ad un pubblico internazionale da Cape Town a Caracas, personalizzando le note di sfilata ed espandendo in modo ambizioso il suo mercato, con l’apertura di una boutique a New York negli anni ’40.

Pierre Balmain

Come Dior, Pierre Balmain lanciava il brand omonimo nella Parigi del dopo-guerra, nel 1945, proponendo completi sartoriali, un trionfo di stampe animalier e sfarzosi abiti da sera che presentava alla clientela dell’alta società parigina nei suoi salon show privati. Nel 1949, gli show di Balmain raggiungevano orizzonti sempre più lontani, spingendosi, nel 1952, persino a New York. Le sue amicizie con le scrittrici americane Gertrude Stein e Alice B. Toklas sono documentate in un omaggio al couturier scritto da Stein su Vogue, il 1 dicembre 1954 intitolato ‘New grand succès of the Paris couture remembered from darker days...’, nel quale citava la loro amicizia e il talento dello stilista nel procurarle cotone da rammendo per ricucire calze e calzini come i momenti più gioiosi durante gli anni di privazione della guerra. Vestiva anche le star di Hollywood come Katharine Hepburn e Sua Maestà, la Regina Sirikit di Tailandia.

Jacques Fath

Stilista autodidatta noto per auto pubblicizzarsi in maniera vorace, Jacques Fath presentava le sue prime collezioni all’interno di un salone di due stanze su Rue de la Boétie a Parigi, per poi trasferirsi, nel 1944, ad una location più imponente. Dalle asimmetrie ai volumi, passando attraverso l’uso dei tessuti grezzi (tra cui la tela di canapa e le paillettes realizzate con gusci di noce e mandorla), Jacques Fath era un maestro nell’arte della sperimentazione.

Era molto amato anche dalle dive di Hollywood come Ava Gardner, Greta Garbo e Rita Hayworth ma anche Eva Perón, che indossò uno dei suoi capi per un ritratto dipinto durante gli ultimi mesi della sua vita da First Lady dell’Argentina. Quando lo stilista morì di leucemia nel 1954, la moglie Geneviève Boucher, che era stata anche sua modella e musa, assunse le redini della maison presentando una sua collezione nel 1955 prima di chiudere definitivamente I battenti due anni dopo.

Givenchy

Il Conte Hubert de Givenchy fondava la maison omonima nel 1952, dopo aver appreso il mestiere lavorando per Jacques Fath e Elsa Schiaparelli. Le originalissime creazioni di Givenchy sposavano un approccio completamente diverso da quello dei suoi mentori, ribellandosi all’enfasi posta sul punto vita della donna preferendo, invece, silhouette astratte e a palloncino.

Givenchy aveva ben compreso l’importanza della celebrità come mezzo per spingere il suo brand oltre le porte del suo salone parigino, lanciando una linea prêt-à-porter, Givenchy Université, nel 1954 e una collezione uomo nel 1969. Oltre a Parigi, la sua clientela di affezionatissime includeva nomi come Lauren Bacall, Maria Callas, Grace Kelly e Diane Vreeland ma fu l’amica di una vita, Audrey Hepburn, che contribuì a rendere Givenchy la maison riverita che conosciamo ancora oggi. È risaputo che il leggendario black dress indossato dall’attrice in Colazione da Tiffany era frutto dell’inventiva del grande stilista.

Yves Saint-Laurent

Considerato da molti il padre del moderno guardaroba femminile, Yves Saint-Laurent lanciava il marchio omonimo nel 1961 assieme al partner Pierre Bergé, dopo aver trascorso diverse stagioni nel ruolo di direttore creativo di Dior (un incarico che aveva assunto nel 1957 a soli 21 anni). Le idee all’avanguardia di Saint-Laurent – un mix androgino fatto di trench, tailleur pantalone e smoking che prendeva in prestito a piene mani dall’abbigliamento maschile – elessero il suo salon al numero 30 di Rue Spontini uno dei luoghi chiave della scena della moda parigina. È qui che il 29 gennaio 1962, presentava la sua prima collezione ad un pubblico altolocato che comprendeva la Contessa di Parigi, la Principessa Anna, la Baronessa de Rothschild, Zizi Jeanmaire e Françoise Sagan.

La Battaglia di Versailles

Frutto del genio della fashion publicist per eccellenza, Eleanor Lambert (che ha fondato la Fashion Week di New York nel 1943) e del curatore di Versailles, Gérald Van der Kemp, la Battaglia di Versailles del 1973 è entrata a far parte degli annali della storia della moda diventando la Fashion Week ufficiale di Parigi dedicata al ready-to-wear. Pubblicizzata come una competition tra cinque stilisti francesi (Yves Saint-Laurent, Emanuel Ungaro, il direttore creativo di Christian Dior, Marc Bohan, Pierre Cardin e Hubert de Givenchy) e cinque designer americani in visita in Francia (Bill Blass, Oscar del la Renta, Anne Klein, Halston e Stephen Burrows), il progetto di Lambert produsse risultati alquanto glamour, con i creativi intenti a superarsi a vicenda – lo show di Yves Saint-Laurent portò in scena una limousine Bugatti mentre Dior optò per una carrozza a forma di zucca a grandezza naturale. Il giorno della sfilata, la line-up americana risultò essere avvantaggiata grazie ad una serie di performance dal vivo con Liza Minnelli e Josephine Baker.

Siamo abituati a pensare la primavera come metafora della trasformazione, della transizione. In questa serie di foto dedicate alla moda primavera estate 2020 però il tema tradizionale della rinascita si flette e si rinnova: lo incarna Simon, che ha scelto di dare al reale la forma del suo spirito tramite una metamorfosi personalissima e profondamente poetica. La accompagnano tre Grazie nel percorso, diventando simboli di sostegno e solidarietà femminile. Attraverso le immagini evocative di Alessandro Lo Faro e lo styling suggestivo di Francesca Martorelli e Rafaela Rusca, la Primavera si tinge di sfumature cangianti e preannuncia il cambiamento.

Fotografo: Alessandro Lo Faro (@alessandrolofaro.archive) Assistente fotografo: Lucas Adriano (@lucasadrianophotos) Stylist: Francesca / Rafaela (@francesca_rafaela) Mua: Ginevra Calie @Auraphotoagency (@ginevra.calie) Assistente Mua: Danila Terruli (danila_terruli) Hairstylist: Gianluca Grechi @Cluseupmilano (@gianlucagrechi) Set Designer: Viola Aprile, Camilla Masellis (@violaprile_ , @maselliscamilla)  Casting: Federica @ Simobart Casting Modelle: Simon @StreetPeopleCasting (@osicran) Izzy Egorova @ WHYNOT (@izzyegorova) Julia Price @ DMANAGEMENT (@jewl_price) Femke Bloem @ WONDERWALL (@femke_bloem)

Nike e Adidas hanno deciso di unirsi contro il razzismo e la violenza, mentre le proteste e le manifestazioni incendiano il clima politico americano. I due marchi sportivi, storicamente rivali, sono stati protagonisti di un episodio unico, solidarizzando su Twitter, mentre l'America è scossa dall'uccisione di George Floyd, morto il 25 maggio dopo che l'agente di polizia di Minneapolis Derek Chauvin lo ha immobilizzato, tenendogli premuto il collo con il ginocchio per sette minuti, mentre era ammanettato e giaceva a faccia in giù sulla strada.

https://twitter.com/Nike/status/1266502116463370241

"Per una volta, non farlo", è il messaggio di un video che Nike, contraddicendo lo slogan   'Just do it', ha postato su Twitter, scrivendo "Non fingere che non esista un problema in America. Non voltare le spalle davanti al razzismo. Non accettare che vite innocenti ci vengano strappate. Non usare altre scuse. Non pensare che questo non ti riguardi. Non restare seduto in silenzio. Facciamo tutti parte del cambiamento".  E, tra i migliaia di retweet, è spuntato anche quello di Adidas. La casa tedesca fa eco al messaggio dello storico competitor: "Insieme è il modo per andare avanti. Insieme è il modo per cambiare".

Un messaggio che non si può che sottoscrivere.

https://twitter.com/adidas/status/1266594990559379457

Lo sa bene chi ha sofferto di acne severa, ma anche chi ha avuto solo qualche imperfezione ogni tanto: una volta scomparsa l'imperfezione, molto probabilmente resterà una macchia post brufolo rossa o bruna.

Sembra essere la conseguenza imprescindibile di ogni inestetismo, ma qualcosa si può fare per capire come eliminare le macchie da acne più velocemente, rispetto al loro corso naturale, che può andare da uno o due mesi fino anche a un anno. Per trattare l’imperfezione bisogna capire innanzitutto cosa la causa.

L’acne è un’infiammazione della pelle, la cui manifestazione persiste anche dopo la fine della sua fase attiva, sotto forma di macchie cutanee. Ve ne sono di due tipi: rosse, eritema post-infiammatorio (PIE), e marroni, iperpigmentazione post-infiammatoria (PIH). Le prime sono le macchie arrossate subito successive alla scomparsa del brufolo, segno che la pelle sta ancora lavorando sulla lesione cutanea e sull’eliminazione di batteri. Le seconde sono la fase successiva, che si attiva se la lesione viene stimolata in modo aggressivo, ad esempio schiacciando il brufolo, e che coinvolge anche l’iperproduzione di melanina che scurisce l’area.

Prevenzione È sempre la migliore delle strategie. Per evitare il più possibile la formazione di macchie da acne arrossate bisogna evitare di strizzare, toccare e massacrare brufoli e punti neri, impedendo la proliferazione batterica e l’aggravarsi dell’infiammazione. Altro fondamentale gesto di prevenzione per evitare l’evoluzione in macchie brune è indossare ogni giorno la protezione solare con SPF 30 o più e che protegga anche contro gli UVA. L’esposizione solare stimola infatti un’ulteriore produzione di melanina fotoindotta che può scurire ulteriormente le macchie post-acneiche.

Se nonostante l’impegno si sono formate ugualmente delle macchie da acne, ecco come cancellarle progressivamente e più velocemente, scegliendo gli ingredienti skincare giusti.

Gli acidi della frutta AHA, come l’acido glicolico, l’acido lattico o il mandelico, hanno un potere esfoliante della superficie cutanea, che aiuta a depigmentare le macchie. Utilizzateli sotto forma di peeling chimico, da eseguire presso un dermatologo in percentuali elevate o più blande per uso domestico. Applicate sempre l’SPF il giorno seguente l’utilizzo di AHA.

L’acido L-ascorbico è ideale per ridurre la pigmentazione delle discromie post-acneiche, per ridurre l’infiammazione e per migliorare la risposta di guarigione della pelle. Il modo migliore per usare la vitamina C sul viso è nella sua versione in polvere da miscelare al momento con acqua demineralizzata per creare un tonico fai-da-te da passare sul viso.

I derivati della vitamina A sono tra i più potenti ingredienti per la skincare e svolgono anche un’azione anti-macchie. Stimolano la rigenerazione della superficie cutanea, attenuando macchie e segni d’acne. Si applicano solo di sera, e richiedono sempre l’uso dell’SPF di giorno.

La vitamina B3 è un ingrediente di bellezza straordinario, che aiuta anche nel trattare le macchie cutanee, oltre a svolgere un’azione anti-infiammatoria e sebo-normalizzante. Sceglietelo sotto forma di siero da applicare prima della crema idratante.

È in grado di inibire la biosintesi della melanina e di attaccare quella già formata, aiutando a schiarire le macchie cutanee e a prevenire la formazione di future.

Si tratta di un ingrediente fondamentale nella cura contro l’acne e le sue conseguenze. Ha proprietà antibatteriche, anti-infiammatorie e depigmentanti.

È un attivo cosmetico interessante, grazie alla sua spiccata azione anti-infiammatoria e cicatrizzante, mentre limita la produzione di melanina, agendo così su entrambi i tipi di macchie da acne.

"Sono entusiasta di condividere questa collezione con il pubblico globale dell'Atelier Swarovski e di condividere il mio amore per la nostra bella Terra. La mia speranza è che le tonalità del blu, del verde e dei cristalli chiari regalino a chi indossa questi modelli un'infinità di scintille e divertimento e un ricordo della profonda bellezza e del mistero della natura", con queste parole Susan Rockefeller ha annunciato la nuova collezione di gioielli 2020 per Atelier Swarovski.

La regista e ambientalista ha pensato a una linea completa nei toni del verde, un omaggio alla natura tra fragilità e potenza. Collane, bracciali, orecchini e anche una clutch per mostrare la bellezza del verde intenso del bambù. La collezione Beautiful Earth è composta da 15 pezzi caratterizzati da cristalli taglio baguette e taglio pera, mentre il motivo del panda luccica nei cristalli Pointiage.

Il nuovo drop sostiene la Nature Conservancy, per aumentare la consapevolezza del lavoro dell'organizzazione in Cina per proteggere e ripristinare l'habitat naturale dell'iconico panda gigante attraverso la protezione delle foreste, la piantagione di alberi, la sensibilizzazione della comunità locale e l'educazione.

Per l'occasione, per diventare Jackie O., Jacqueline Kennedy Onassis, sceglie un abito firmato Valentino. Il modello appartiene a una delle collezioni più famose dello stilista italiano, la White Collection presentata nel 1968 (chiamata anche come no-colour colletion). Nel dettaglio si tratta di un abito corto, con maniche lunghe chiuse con un ampio polsino, collo alto e caratterizzato da raffinati inserti di pizzo.

Così, con quel sì celebrato sull’isola di Skorpios, Jackie Kennedy lancia una nuova moda, quella dei secondi matrimoni celebrati con l'abito bianco. Il capo Made in Italy non è principesco e rifugge dalla ridondanza di tulle e tessuto mikado: è un vestito da sposa discreto, moderno e femminile che, volendo, può essere indossato anche dopo il matrimonio. Ecco perché, dopo i fiori d'arancio più attesi del 1968, l'atelier romano di Valentino fu sommerso da richieste, vendendo più di 400 capi in pochi giorni.